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Êtes-vous un dessinateur artiste ou simple copieur?

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18October 2013
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Si vous dessinez régulièrement d’après des modèles, alors peut-être faites vous partie de la minorité de personnes qui ne recherchent pas à reproduire à l’identique une photo.

On dit que le dessin est un art, dans son sens large un art implique une création. Dans cet ordre d’idée, il n’y a pas de petites ou de grandes créations.


Il y a “copier” et “dessiner d’après modèle

On peut créer un bouleversement en peignant un tableau dont le sourire énigmatique traversera les époques ou poser un urinoir dans un musée. Je développerai cette idée dans un prochain article sinon celui-ci fera 3km de long Sourire.

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Robert Longo, sans-titre, fusain, 2012

 

Le recopiage est un mode d’expression controversé, ce n’est pas de la création pour certains qui privilégient une pensée de la création “totale”. Totalement novateur de A à Z. En poussant ce raisonnement à l’extrême, il faudrait même dans l’idéal se créer de nouveaux outils. J’ai fait arts plastiques, je sais que c’est long et fastidieux, je préfère consacrer du temps à dessiner avec des outils traditionnels.Les photographes sont des artistes pourtant ils ne fabriquent pas leur boitier eux-même.

 

Je pense (comme il n’y a pas de petite ni de grande création) que même une subtile modification, un ajustement, une mise en avant de certains éléments (un personnage au détriment d’un autre, une texture, un contraste plus accentué etc) suffit pour dire qu’il y a eu réflexion.

 

Il y a création à partir de l’instant où il y a eu une réflexion et le résultat est en accord avec cette pensée.

 

Qu’est-ce que ça veut dire?

 

Recopier sans réfléchir ni choisir, voilà ce qu’il faut éviter. Je vous rassure, vous pouvez faire un dessin d’après modèle et être créatif Sourire

 

Le changement d’échelle est déjà une modification qui demande réflexion et organisation, ajouter à cela, des effets de matières qui n’existent pas sur le référent (des coups de crayons) ainsi qu’un  ajustement de la composition avec des règles que vous allez voir dans un instant et vous pouvez déjà défendre votre dessin comme étant l’expression de votre volonté et témoin de votre maitrise technique face aux défenseurs de la création “totale”.

La prochaine fois que l’on vous dira “ton dessin c’est pas de l’art, tu as pris une photo et tu l’as recopié” ou “il n’y a rien de créatif” appuyez vous sur vos réflexions, sur les croquis préalablement fait, les différences avec le modèle que vous avez sciemment appuyé.

Montrer votre volonté d’arranger et de modifier même ce qui vous parait simple et évident. Il n’y a pas de petite ou de grande création. Vous êtes quelqu’un de subtil, faites les choses en finesse.

 

Un exemple avec l’affiche que je suis en train de dessiner.

 

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Je vais utiliser un outil fait d’argile et de pigment, ce qui va donner une autre texture à cette affiche, je peux en tirer partie. Les nuances ne seront pas les mêmes. Je n’ai pas prévu de reproduire le type d’impression dont a fait l’objet cette image (bichromie, trichromie ou quadrichromie).

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Mon dessin sera plus net que le modèle. On vous vend bien des télés dont on fait éloge de la netteté de l’image à la fnac non?

Là vous ne le voyez pas mais la jaquette est parsemée de points d’impression, ce qui donne une image plate. Comment je fais moi pour faire des reliefs?? Eh bien je vais prendre un autre portrait avec des reliefs plus accentués pour m’aider. Je vais dessiner avec deux photos donc. Si ça c’est pas de la gymnastique mentale!

 

 

 

 

Le changement de format demande une réflexion sur la composition. j’ai pris l’habitude de composer mes images sur une grille de 4×4. Ça me permet de visualiser la place que va prendre le motif de l’image et quels parties se situeront sur les points d’intersection des 4 rectangles du centre (là où l’attention est portée).

J’ai choisi la première composition grise. Bien que j’aime les dessins aérés avec de grandes marges j’ai préféré avoir des visages avec de l’ampleur.

Autre chose que je souhaitais modifier, la disposition des personnages à la même hauteur est un peu trop symétrique à mon goût (même si les éléments lumineux à l’arrière plan et le titre donne une dynamique diagonale à l’affiche). Comme je compte m’affranchir du texte, je vais chercher à retrouver cette inclinaison en mettant un des acteurs légèrement plus bas que l’autre (Norah par rapport à Jude).

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Dernière chose, dans les croquis préparatoires en couleur j’ai voulu essayer différents mouvements de crayons. Une organisation verticale de mes tracés (croquis de droite) et des hachures plus sinueuses, épousant la forme des néons du fond (croquis de droite). J’aime beaucoup le mouvement du croquis de gauche, reste à voir quelle intensité donner à ces lignes sur le résultat final.

 

Ça y est! La leçon est terminée passons à la pratique!

 

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Fidel à mon principe de prudence, je choisi la couleur la plus claire pour commencer (cadmium yellow). J’ai placé rapidement les deux portraits avec deux ovales dont j’ai travaillé les contours petit à petit en m’aidant des espaces négatifs. Ensuite j’ai placé la ligne de regard, celle du nez et celle de la bouche.

 

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À ce stade, je commence déjà à préciser les contours en appuyant un peu plus franchement sur l’outil. Avec un crayon graphite, j’aurai attendu un peu plus longtemps avant de passer cette étape mais comme je vais disposer plusieurs couches de couleur, il y aura plusieurs opportunités de corriger les défauts au fur et à mesure.

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Je m’attaque à l’ombre qui se trouve entre les deux personnages après avoir poussé l’esquisse jusqu’au traits des visages des acteurs. Je garde pour l’instant la même couleur, il s’agit plus de repérer tous les éléments et leur proportion. Je vais chercher à créer du modeler dès que je passerai à la couleur suivante.

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Histoire d’avoir une idée des couleurs dominantes dans mon dessin, j’utilise le bleu ultramarin et le magenta. Je me fais une idée de l’ambiance que je vais pouvoir créer avec les crayons et surtout à quel point je vais devoir pousser les contrastes pour mes reliefs.

 

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Ici j’ai retravaillé le visage de Norah (en particulier les yeux). Faites attention, plus vous commencez à détailler un élément du visage (en allant vers plus de contraste progressivement) plus la taille de ce que vous êtes en train de dessiner diminue (ou en donne l’impression). Ce qui peut fausser les proportions de votre portrait. N’oubliez pas de vérifier régulièrement que les yeux ne paraissent pas soudain trop petits et réajustez les souvent.

 

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Je me suis plus attardé sur le portrait de Jude Law, ce n’est pas parce que j’ai une préférence mais parce que l’orientation en 3/4 de son visage le rend plus difficile à dessiner. Eh oui je suis comme ça, je m’attaque au plus complexe en premier Rire

Vous imaginez bien que la difficulté ici a été l’expression du regard. Rendre le côté nonchalant et interpelé en même temps n’est pas de tout repos. Petit conseil, prenez l’expression de votre modèle lorsque vous le dessinez, cela vous aidera à poser des mots et des sensations sur des regards difficile à décrire au premier abord.

 

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Voilà après 3h de travail où en est mon dessin. La suite dans mon prochain article!

J’espères que vous vous sentirez plus à l’aise avec votre pratique après avoir lu cet article et n’aurait plus de complexe à dessiner d’après modèle!

Et vous est-ce que vous pensez qu’il faut créer un dessin de A à Z pour parler de création? Pourquoi?

Les commentaires sont à vous Sourire

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  • Je suis juste pas daccord sur un points, Ont peu être créatif sans trop reflechir , se laissé allé car si ont doit reflechir cest parcequon a pas encore compris, et pour moi limprovisation dune oeuvre meme si il ny as pas une reflexion derriere le processus, sa donne quand meme un resultat qui est significatif pour moi. Mais aussi je voie pas ou est la création de reproduire une photo parfaitement pareille et mettre 500 heure sur un dessin… Comment ont peu sexprimé comme sa? sa prend 500 heure pour dire quelque chose ? Il y a des appareil photographique aujourdhui pour reproduire quelque chose ;p Et la reproduction c'est dapres moi juste de la tecnic , ont dessine se quon voie.. Je trouve une oeuvre bien plus jolie quand cest quelque chose d'unique que personne dautre que toi peu inventé, lhyperrealisme c'est etre esclave du modele et de la tecnic, lart abstrait et surrealisme cest être libre de tout.

  • Article pertinent Roy !

    J’ai moi même écrit un article à ce sujet :
    http://yannhovadik.blogspot.fr/2013/09/dessiner-et-peindre-dapres-photo.html

    Salutations !
    y

  • Merci Roy ,
    J’aime beaucoup tes approches,
    au dela du conseil technique, tu introduis la nécessaire place que doit occuper l’individalité propre de chacun, c’est à mon avis le seuil à franchir dans toute démarche artistique “libérée”. OSER…ne pas photographier.(les photographes le font tellement mieux..)
    A+

  • Salut, en soi le terme "copieur" n'est pas négatif mais on est influencé par notre éducation pour penser qu'il n'est pas bien de copier. Combien de fois le professeur en classe a répété "ne copie par sur ton voisin"? Mine de rien ça créé un conditionnement. Ce que je prêche c'est que la copie sert pour développer son coup de crayon et qu'il ne faut pas se laisser aller à ce qu'on nous a répété et dire que copier c'est pas bien. NON c'est utile!

    Là où je veux mettre le doigt avec cet article c'est sur l'acte créatif, est-ce que de modifier un tout petit peu la hauteur d'un portrait sur l'autre, de mettre en avant les coups de crayon suffit pour dire qu'il y a création?

    Tu as tout a fait raison quand tu parles d'avoir une idée avant de commencer le travail d'après modèle. (en même temps "dessin" et "dessein" ont la même racine, le second induit la projection d'une idée) N'hésites pas à reposter ton lien vers ton portefolio, celui qui est dans ton commentaire renvoi vers une erreur. Au plaisir de te lire à nouveau!

  • J'avais envie de réagir sur cet article.
    Je réalise plusieurs type de dessin mais dernièrement pour réaliser certaines de mes idées fantasmagoriques j'ai eu besoin de modèle pour des poses/mise en scène …
    Et il est très facilement possible d'avoir un modèle mais de ne pas s'y tenir pour réaliser une création. Le but est principalement que la réalisation que l'on fait nous plaise.
    (exemple d'une de mes réalisations avec modèle : http://enchanted-arts.fr/index.php/portfolio/viewer/54)

    De plus le terme de copieur m'irrite au plus haut point car il a une connotation extrêmement négative. Car réaliser une "copie" qui semble réelle est très honnêtement extrêmement dure à réaliser (qu'elle soit fidèle ou non).

    Je pense que l'essentiel quand on travail avec des modèles est d'avoir à l'avance une idée de ce que l'on veut réaliser par rapport à notre univers, notre style ou notre envie de progresser ou d'améliorer nos coup de crayon pour réaliser arbres, portraits ou autre.

  • Bonjour Roy, je passe pour la première fois dans le blog d’une pour dire merci, la moindre des choses. Dire que le blog est vraiment très bien conçu, et permet de revoir pour ma part de nombreux éléments afin de mieux “comprendre ” une chose faite de manière intuitive” à toujours une explication du moins souvent.
    À merci nouveau pour le blog dont je suis fréquemment les conseils et idées présentent sur ce dernier. Bonne continuation et vraiment chapeau pour les ouvrages de grande qualité. Bonne semaine à toutes et à tous
    David

  • …j’ai une amie qui ne peux pas dessiner ses mangas sans modèle …je pense qu’elle devrais apprendre a dessiner sans modèle … perso , rare sont les dessins que je fais avec modèles … et si je le fais je prend toujours des images floues 😀 …( je sais ,oui…)
    …mais quand je le fais c’est souvent pour apprendre un nouveau type de dessin ( comme optimus prime ! 😀 )

    • Eh bien t’es une teigneuse du de dessin 🙂 Déjà s’attaquer à Optimus faut oser mais en plus ne pas prendre de modèle pour dessiner… J’en étais clairement incapable à ton âge. Pourquoi tu prend des images floues dis moi? Pour laisser ton imaginaire plus s’exprimer?

      • rigole* 😀 on peut dire ça oui …pour mes dessins sans modèle ou avec modèle flou ….comme tu l’as dis , ça me permet de laisser mon imagination me guider et j’ai toujours mieux progresser comme ça , alors que avant j’ utilisais des modèles net et j’avais tendance a me démoraliser si j’avais mal fait les proportions ou si la perspective est mauvaise … alors que si j’utilise les modèles flous , c’est plus instinctif , et ça me permet de passer moins de temps a m’attarder sur les détails sans pour autant les oublier bien sur ! 😀 pour optimus prime c’est vrai faut pas avoir froid au yeux , mais ça vaut le coup d’essayer !

  • Bonjour Roy,
    C’est toujours avec grand plaisir, et ATTENTION, que je lis tes conseils. Je t’en remercie.
    J’ai apprécié ton nuancier de gris.
    Tu as été interrogatif sur le fait de “copier” un modèle.
    C’est toute ma difficulté en dessin. Je souhaiterais trouver, sans être prétentieuse, mon style. Mon blocage vient du fait que, si j’ajoute quelques traits, ou si je les accentue plus que nature, j’ai l’impression de ne pas respecter la réalité. Et je ne suis pas satisfaite alors de mon travail puisque j’ai le sentiment de trahir le réel.
    J’espère qu’avec le temps je surmonterai ce blocage.
    A bientôt.

    • Bonjour Gabrielle
      Merci pour ce commentaire avec toutes ces majuscules 🙂 J’ai beaucoup réfléchi sur la recherche de style et ai même déterminer plusieurs étapes pour s’en créer un. Par contre, il ne faut pas se faire d’illusion un style pour être singulier a besoin de temps et de maturation. Mais voici les étapes que je te propose :
      1 Savoir quelle thématique se perfectionner (cette étape peut à elle seule prendre des mois voir des années surtout pour les gens qui aiment toucher à tout)
      2 S’enrichir de “modèles”, des dessinateurs qui ont atteint une virtuosité dans ce domaine et qui ont leur propre style
      3 Copier leur dessins pour comprendre comment ils sont arrivés à ce résultat (les regarder travailler dans des documentaires peut être intéressant également)
      4 Ensuite on ne copie plus les dessin de cet artiste. Une fois que l’on est plus familier avec la technique et que l’on arrive à s’approcher du résultat de notre dessinateur modèle, on a une nouvelle manière de dessiner. On doit pratiquer cette technique encore et encore jusqu’à ce qu’elle fasse partie de nous en nous exerçant sur des modèles “neutres” (croquis sur le vif ou photographies).

      Et pour finir, mieux vaut trahir le réel que se trahir nous-même 😉 Des maladresses il en faut, surtout au début et puis elles contribuent à l’honnêteté de ton dessin!

  • T'as raison …pas de clivage …que le plaisir de gribouiller !

  • Je pense que les deux sont de l'art. Il y a énormément de travail dans le fait d'arriver à rendre ce qu'on voit sur une photo, garder les proportions, les ombres,respecter les expressions ( Au passage merci pour le truc de prendre l'expression du modèle pour aider à le dessiner, je n'y aurai pas pensé ! ), etc. C'est une forme d'art.
    Et c'est aussi de l'art que de s'éloigner du modèle en prenant des libertés.
    Je trouve que pour apprendre à dessiner, rien de tel que de copier mais s'en éloigner par moments est tout aussi riche d'apprentissage.
    Les deux font du bien à l'âme et l'essentiel étant de se faire plaisir en dessinant, je trouve que les deux se valent !

  • Merci ,de me permettre de comprendre de bien dessiner. Moi j’utilise toujours une image pour dessiner mais je lui donne l’émotion que je désire et toute façon même avec une image nous copion pas car nous avons tous des manière de dessiner comme un peintre que nous reconnaissons a sa flocon de peindre. Voilà bonne continuité pour ton merveilleux blog . Claudine

  • Tout d’abord merci pour cet article de dessin d’affiche que je trouve plus beau que l’affiche originale…
    Voilà en ce qui concerne de copier une photo ou autres a l’identique cela ne m’intéresse pas du tout, un portrait c’est de l’émotion vue a travers un personnage et si je ne saisi pas l’expression, mon dessin s’en ressentira…
    Je pense aussi que la technique expressionniste dont je suis adepte est pour moi une manière créative qui est d’interpréter le sujet…
    Bonne suite pour tout ce que tu apportes et qui porte a réflexion !

    • Merci Nicky, tu pointes du doigt “la manière de dessiner”. Ça équivaut à un traitement que l’on choisi d’ajouter à l’image d’origine. On peut faire un dessin pour rendre une ambiance douce (comme l’affiche) mais aussi ajouter un aspect plus expressif (parce que malgré le fait que cette affiche soit belle, il manque un peu de peps!). Cela dépend de ce qu’on ressent devant l’image.

  • merci Roy j'ai déjà commencé a faire des croquis,mais vraiment j'ai réussi a faire des dessins corrects disant.

  • Salut Roy, tu es infatigable…et surtout très organisé!
    Je ne sais ce que tu m’enseignes, si c’est à dessiner ou à me structurer…en tous cas j’apprends plein de choses à te lire et observer tout ce que tu offres!
    Ton site est vivant et passionnant.
    Concernant le modèle, la copie, seule la démarche personnelle compte: s’il y a de la sincérité et de la passion dans ce que l’on fait, cela se ressent forcément et je viens de lire plusieurs commentaires que je partage sur ce sujet!
    Bonne continuation!
    Jean-Noël

    • Salut Jean-Noel,
      Tu viens de mettre le mot sur une notion importante je trouve,c elle de “sincérité”. Cela va de pair avec “se connaître”, savoir où l’on est bon et où on l’est moins et ne pas se trouver des excuses pour justifier des erreurs. Je suis pour une pratique humble du dessin, chaque dessinateur n’est pas meilleur dans l’absolu qu’un autre (parce que l’un utilise un modèle et l’autre invente), les deux sont juste différents.

  • Je pratique le croquis modèle vivant depuis longtemps avec des outils divers et variés, le dessin et aquarelle sur nature également . Même pour terminer quelque chose avec la photo du lieu, cela m’est difficile.

    Je suis OK avec les progressions que vous proposez, c’est très interessant.
    colette
    pas encore de site: il va falloir que je m’y mette Artistiquement vôtre

    • Bonjour Colette,
      Dans ton cas la partie créative se situe dans la manipulation des matériaux pour dessiner. Je suppose que tu parles des pas-a-pas quand tu dis “progressions” 🙂 je t’encourage également à avoir un portefolio en ligne, c’est assez pratique pour le montrer aux gens et pour avoir des retours sur ses réalisations 😉

      • Non seulement tu apportes de la vie à ton site par un enseignement continuellement renouvelé, mais en plus tu sais engager un vrai dialogue avec tout le monde: heureusement que tu es très structuré car je pressens qu’il va y avoir beaucoup de personnes sur ce blog dans quelque temps! 🙂

  • Tout d'abord, merci pour vos articles, j'adore.

    L'important, c'est de dessiner… et la nuance est dans l''utilisation du dessin d'autrui.
    Un travail, un essai, une pratique avec le travail d'un autre, c'est, à la limite, flatteur.
    Vendre le travail d'un autre, c'est un autre débat… C'est la finalité et l'utilisation du dessin qui fait la nuance.

    Si copier permet de faire jaillir le goût de dessiner, ouvre l'esprit à la création, la poursuite et la maîtrise du médium, alors allons-y, copions tous en coeur.

    Lorsqu'on y pense, tout est copie dans le dessin, car dessiner c'est regarder et déposer sur un médium cette vue, c'est donner une dimension à ce qu'on voit, interprétation ou pas, que ce soit le dessin d'un autre ou un arbre.

  • Deux reflexions sur le fait de “copier”
    1) on copie tous quelque chose !! en foret avec son chevalet on copie les arbres que l on voit , la nature , avec un modèle vivant pour faire un nu itou … etc …
    2) les plus grands peintres ont copié leurs predecesseurs c est ainsi qu on apprend et qu on se pose la question ” comment a t il fait ” et ce n est pas Monet qui me contrediera !! …
    a chacun ensuite d INTERPRETER ce qu il voit a sa manière , je suis aussi musicien et il ne suffit pas de jouer les notes de la partition pour creer l émotion !! sinon n importe quelle machine peut remplacer un Menuhin ou un django Reinhart !!
    alors … “copions” ..; sans souci !!
    quelques “copies “de mon cru sur :
    peinturonneries.blogspot.fr
    sous un pseudo bretonnant
    rgds

    • Ta réflexion sur la musique est intéressante! j’ai un ami qui joue du synthé et un jour il m’a demandé d’écouter un morceau qu’il a travaillé toute la semaine (je ne me souviens plus du nom de la musique désolé), je lui avait dit que sans être une oreille musicale, j’avais ressenti le côté très mécanique de sa démonstration. Il n’avait fait aucune fausses notes mais ça manquait d’âme. J’ai été content ce jour là de l’avoir aidé à (un peu) progresser!
      PS : Très sympa ton blog, je me tête à apprendre le pastel 🙂

  • merci pour toutes ces infos … En réponse au debut de cet article , je ne “copie” pas ….mais m’inspire d’une photo le + souvent …. parfois , je n’en retiens que l’idée , l’emotion …. d’autres , je garde des éléments, ou l’association de couleurs qui m’a plu …, parfois aussi , je change completement les couleurs et ne retiens que la base ….. voila …. !!! merci de tout ce travail que vous faites pour nous … c’est plein d’enseignement….. 😀

  • création ou pas quelle importance sinon juridique ou droit d'auteur et autres complications.
    A partir du moment où l'envie de faire est là, l'émotion, la sensibilité fabriquent une image mentale et on est déjà différent du modèle… Si l'intellect s'y met, une autre image naitra et modifiera la première ou en créera une nouvelle…
    Etre fidèle à son modèle c'est être fidèle à son image mentale. Les seules choses qui puissent nous en écarter sans qu'elle soit modifiée ce sont nos limites techniques, ces trucs qui finalement nous font dire "Ah je n'ai pas retranscrit la transparence de l'eau comme je le voulais" ou alors nos découvertes aussi, celles qui font que telle touche de pinceau sans doute trop appuyée ou avec un pinceau trop chargé et qui contrarie notre intention n'est finalement pas si mal.
    L'essentiel c'est quand même de se faire plaisir… alors les ayatollahs de la création m'importent peu.

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