Êtes-vous un dessinateur artiste ou simple copieur?

By Roy Pallas | Couleur

Débutants commencez ici !

Un petit test pour se lancer tranquillement ?

Hello ! Avant de commencer à parcourir mon blog, vous pouvez passer mon petit QUIZZ ! En quelques questions (un peu rigolotes) vous déterminerez le type de dessinateur que vous êtes !

Oct 18

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Si vous dessinez régulièrement d’après des modèles, alors peut-être faites vous partie de la minorité de personnes qui ne recherchent pas à reproduire à l’identique une photo.

On dit que le dessin est un art, dans son sens large un art implique une création. Dans cet ordre d’idée, il n’y a pas de petites ou de grandes créations.

Il y a “copier” et “dessiner d’après modèle

On peut créer un bouleversement en peignant un tableau dont le sourire énigmatique traversera les époques ou poser un urinoir dans un musée. Je développerai cette idée dans un prochain article sinon celui-ci fera 3km de long Sourire.

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Robert Longo, sans-titre, fusain, 2012

 

Le recopiage est un mode d’expression controversé, ce n’est pas de la création pour certains qui privilégient une pensée de la création “totale”. Totalement novateur de A à Z. En poussant ce raisonnement à l’extrême, il faudrait même dans l’idéal se créer de nouveaux outils. J’ai fait arts plastiques, je sais que c’est long et fastidieux, je préfère consacrer du temps à dessiner avec des outils traditionnels.Les photographes sont des artistes pourtant ils ne fabriquent pas leur boitier eux-même.

 

Je pense (comme il n’y a pas de petite ni de grande création) que même une subtile modification, un ajustement, une mise en avant de certains éléments (un personnage au détriment d’un autre, une texture, un contraste plus accentué etc) suffit pour dire qu’il y a eu réflexion.

 

Il y a création à partir de l’instant où il y a eu une réflexion et le résultat est en accord avec cette pensée.

 

Qu’est-ce que ça veut dire?

 

Recopier sans réfléchir ni choisir, voilà ce qu’il faut éviter. Je vous rassure, vous pouvez faire un dessin d’après modèle et être créatif Sourire

 

Le changement d’échelle est déjà une modification qui demande réflexion et organisation, ajouter à cela, des effets de matières qui n’existent pas sur le référent (des coups de crayons) ainsi qu’un  ajustement de la composition avec des règles que vous allez voir dans un instant et vous pouvez déjà défendre votre dessin comme étant l’expression de votre volonté et témoin de votre maitrise technique face aux défenseurs de la création “totale”.

La prochaine fois que l’on vous dira “ton dessin c’est pas de l’art, tu as pris une photo et tu l’as recopié” ou “il n’y a rien de créatif” appuyez vous sur vos réflexions, sur les croquis préalablement fait, les différences avec le modèle que vous avez sciemment appuyé.

Montrer votre volonté d’arranger et de modifier même ce qui vous parait simple et évident. Il n’y a pas de petite ou de grande création. Vous êtes quelqu’un de subtil, faites les choses en finesse.

 

Un exemple avec l’affiche que je suis en train de dessiner.

 

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Je vais utiliser un outil fait d’argile et de pigment, ce qui va donner une autre texture à cette affiche, je peux en tirer partie. Les nuances ne seront pas les mêmes. Je n’ai pas prévu de reproduire le type d’impression dont a fait l’objet cette image (bichromie, trichromie ou quadrichromie).

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Mon dessin sera plus net que le modèle. On vous vend bien des télés dont on fait éloge de la netteté de l’image à la fnac non?

Là vous ne le voyez pas mais la jaquette est parsemée de points d’impression, ce qui donne une image plate. Comment je fais moi pour faire des reliefs?? Eh bien je vais prendre un autre portrait avec des reliefs plus accentués pour m’aider. Je vais dessiner avec deux photos donc. Si ça c’est pas de la gymnastique mentale!

 

 

 

 

Le changement de format demande une réflexion sur la composition. j’ai pris l’habitude de composer mes images sur une grille de 4×4. Ça me permet de visualiser la place que va prendre le motif de l’image et quels parties se situeront sur les points d’intersection des 4 rectangles du centre (là où l’attention est portée).

J’ai choisi la première composition grise. Bien que j’aime les dessins aérés avec de grandes marges j’ai préféré avoir des visages avec de l’ampleur.

Autre chose que je souhaitais modifier, la disposition des personnages à la même hauteur est un peu trop symétrique à mon goût (même si les éléments lumineux à l’arrière plan et le titre donne une dynamique diagonale à l’affiche). Comme je compte m’affranchir du texte, je vais chercher à retrouver cette inclinaison en mettant un des acteurs légèrement plus bas que l’autre (Norah par rapport à Jude).

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Dernière chose, dans les croquis préparatoires en couleur j’ai voulu essayer différents mouvements de crayons. Une organisation verticale de mes tracés (croquis de droite) et des hachures plus sinueuses, épousant la forme des néons du fond (croquis de droite). J’aime beaucoup le mouvement du croquis de gauche, reste à voir quelle intensité donner à ces lignes sur le résultat final.

 

Ça y est! La leçon est terminée passons à la pratique!

 

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Fidel à mon principe de prudence, je choisi la couleur la plus claire pour commencer (cadmium yellow). J’ai placé rapidement les deux portraits avec deux ovales dont j’ai travaillé les contours petit à petit en m’aidant des espaces négatifs. Ensuite j’ai placé la ligne de regard, celle du nez et celle de la bouche.

 

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À ce stade, je commence déjà à préciser les contours en appuyant un peu plus franchement sur l’outil. Avec un crayon graphite, j’aurai attendu un peu plus longtemps avant de passer cette étape mais comme je vais disposer plusieurs couches de couleur, il y aura plusieurs opportunités de corriger les défauts au fur et à mesure.

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Je m’attaque à l’ombre qui se trouve entre les deux personnages après avoir poussé l’esquisse jusqu’au traits des visages des acteurs. Je garde pour l’instant la même couleur, il s’agit plus de repérer tous les éléments et leur proportion. Je vais chercher à créer du modeler dès que je passerai à la couleur suivante.

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Histoire d’avoir une idée des couleurs dominantes dans mon dessin, j’utilise le bleu ultramarin et le magenta. Je me fais une idée de l’ambiance que je vais pouvoir créer avec les crayons et surtout à quel point je vais devoir pousser les contrastes pour mes reliefs.

 

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Ici j’ai retravaillé le visage de Norah (en particulier les yeux). Faites attention, plus vous commencez à détailler un élément du visage (en allant vers plus de contraste progressivement) plus la taille de ce que vous êtes en train de dessiner diminue (ou en donne l’impression). Ce qui peut fausser les proportions de votre portrait. N’oubliez pas de vérifier régulièrement que les yeux ne paraissent pas soudain trop petits et réajustez les souvent.

 

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Je me suis plus attardé sur le portrait de Jude Law, ce n’est pas parce que j’ai une préférence mais parce que l’orientation en 3/4 de son visage le rend plus difficile à dessiner. Eh oui je suis comme ça, je m’attaque au plus complexe en premier Rire

Vous imaginez bien que la difficulté ici a été l’expression du regard. Rendre le côté nonchalant et interpelé en même temps n’est pas de tout repos. Petit conseil, prenez l’expression de votre modèle lorsque vous le dessinez, cela vous aidera à poser des mots et des sensations sur des regards difficile à décrire au premier abord.

 

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Voilà après 3h de travail où en est mon dessin. La suite dans mon prochain article!

J’espères que vous vous sentirez plus à l’aise avec votre pratique après avoir lu cet article et n’aurait plus de complexe à dessiner d’après modèle!

Et vous est-ce que vous pensez qu’il faut créer un dessin de A à Z pour parler de création? Pourquoi?

Les commentaires sont à vous Sourire

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